XVII Международный конкурс научно-исследовательских и творческих работ учащихся

Старт в науке

«Цифровые глазури. Рисунки в технике NANO-ART» как пример современного направления в искусстве XXI века

• Авторы
• Руководители
• Файлы работы
• Наградные документы

Капитонова В.Е. 1

---

1МБОУ ООШ № 269 г.Снежногорск ЗАТО Александровск

Бакланова Н.С. 1

---

1МБОУ ООШ № 269 г.Снежногорск ЗАТО Александровск

Работа в формате PDF

1.8 MB

Автор работы награжден дипломом победителя III степени

Диплом школьникаСвидетельство руководителя

Введение

Искусство с древности являлось одним из универсальных способов конкретно-чувственного выражения невербализуемого духовного опыта, прежде всего эстетического, одним из главных, сущностных наряду с религией компонентов Культуры, как созидательно-продуктивной человеческой духовно-практической деятельности.Искусство всегда было прекрасным общественным посредником, выполняло функцию социальной коммуникации. Художник стремится донести до людей свои переживания, при этом эстетический объект способен порождать множество "прочтений" своего смысла. Более того, многообразие возможных трактовок свидетельствует о глубине созданного художественного образа.

Искусство выступает специфической формой познания мира, "мышлением в образах". Выполняя познавательную функцию, искусство несет нам особое знание о мире. Это знание о социальных и духовных процессах подчас глубже научного. По крайней мере, литература знает о душе человека не меньше, а то и больше, чем специальная наука психология. Но дело не только в том, что искусство дает то же знание, что и наука, оно дает ценностно-окрашенное знание, сразу выделяет в нем важное и значимое для людей. Так, искусство не раз выполняло функцию предвосхищения, предупреждая об общественном неблагополучии, прогнозируя последствия научных открытий или социальных преобразований.

Гипотеза исследования: рисунки в технике NANO-ART действительно интересны и являются примером современного искусства

Объект исследования: современное искусство

Предмет исследования: рисунки в технике NANO-ART

Цель исследования: изучить современное искусство на примере техники NANO-ART

Задачи исследования:

Изучить научную литературу, источники по теме исследования;

Познакомиться с техникой NANO-ART

Создать работу «Цифровые глазури» с использованием техники NANO-ART

Проанализировать, представить результаты работы

Методы исследования:

Анализ, обобщение- аналитический метод

Структурно-функциональный метод

Эксперимент

Главы основной части.

1.Теоретическая

1.1. Искусство XXI века. Основные направления и проблемы.

В современной эстетике сложилось представление о том, что искусство выступает в роли мощного средства художественной (вообще – культурной) коммуникации и общения. Данная идея опирается на интуиции просветителей (Г.И.Лессинга, И.-Г.Гердера), представителей философии языка (А.Потебни, Р.Якобсона), философии культуры и искусства (Б.Кроче, Э.Кассирера, М.Бензе, Ч.Морриса и другие).

Рассмотрение искусства как совокупности знаков, т.е. как семиотической (греч. semeivn - знак, признак) системы восходит к Д.Дидро. В его «Салонах» анализировались произведения состоявшихся в Париже художественных выставок. Во-первых, он предал описанию содержательный аспект увиденного; во-вторых, он уделил внимание формальной или технической стороне дела, т.е. «сделанном» художниками по сугубо художественным мотивам. Дело в том, что искусство черпает свои идеи из внешнего мира, из бытийных реалий социосферы: экономики, идеологии и политики. Такой подход не позволяет до конца исчерпать художественный замысел, равно как и адекватно воспринять результаты творчества. Поэтому и предлагается рассматривать искусство «изнутри», как особым образом организованную семиотическую вселенную, подчиняющуюся имманентным принципам. Целое направление современных исследований – семиотика «расшифровывает» формальные структуры искусства, его языки и возможности диалогового алгоритма восприятия конкретных произведений. В настоящий момент, в рамках семиотических исследований используются методы формализации и математизации, типологизации и таксономии (классификации), а также литературоведение и герменевтика. Имена Ф. Де Соссюра и Р.Якобсона, В.Шкловского и Ю.Лотмана, Р.Барта и Ж.Деррида, Ю.Кристевой и У.Эко, – как их семиотические идеи, - прочно вошли в арсенал эстетики и культурологии. В целом, семиотический подход акцентирует внимание на форме искусства, его языково-выразительных и коммуникативно-смысловых возможностях. «Подлинное изучение художественного произведения, – говорил Ю.М.Лотман в своих лекциях, - возможно при подходе к произведению как к единой, многоплановой, функционирующей структуре» Другими словами, нужно понимать, что искусство «разворачивает» себя перед нами в виде знаково-символической динамической системы, нуждающейся в декодировании заложенного (в нем) смыслосодержания. Попытаемся кратко охарактеризовать эту систему.

Современное искусство, под которым принято понимать процессы и направления в искусстве Западной и Восточной Европы и Америки второй половины ХIХ – ХХ ст., - предмет особого анализа. Если попытаться дать краткую характеристику этого этапа в развитии искусства, то нужно иметь в виду ряд обстоятельств. Во-первых, искусство ХХ века, в одно и то же время и реализует начатую в эпоху европейского модерна (ХVII – ХIХ в.в.) идейно-художественную проблематику, и стремится ее ниспровергнуть, заменив смысловой слой исходных принципов. Во-вторых, в искусстве ХХ века намечается коммуникативный поворот к неевропейским культурным и художественным моделям, который способствует имплантации «чужого» опыта в европейский художественный процесс. В-третьих, искусство ХХ века, за счет радикального омассовления самой истории, ее интернационализации, тяготеет к пересмотру статуса национального искусства, – в свете интернациональных или глобальных контекстов.

Помимо этого, говоря об искусстве ХХ столетия нужно помнить, что оно формируется в русле культурной парадигмы модерна («проекта Просвещения») с его принципами субъективности, свободы и рефлексивности. Сами эти принципы, казалось бы, обеспечили переход к объективистскому, рациональному мировоззрению, на самом деле, – к созданию субъективно приемлемой и субъективно же оправданной вселенной. Так, развернувшийся модерн (Реформация, Просвещение, Французская революция) подвел западную культурную элиту (в лице таких авторов как С.Киркегор, Ш.Бодлер, Ф.Ницше, М. Де Унамуно, Б.Кроче, Г.Ибсен и др.) к выработке ключевых установок, определивших художественную практику самого противоречивого века. Это предприятие коснулось критики классического искусства и формирования иного миропонимания, в котором искусство должно, наконец, сказать свое веское слово. Причем пересмотр затронул природу, задачи и само предназначение искусства. В искусстве второй половины ХIХ – начала ХХ в.в. исчез центр, середина (Бог, Красота, Совершенство)[197], а взамен стали предлагаться разноликие вторичные персонажи: Разум, Природа, Машина, Искусство, Хаос и пр. Можно сказать, что искусство «пошло» по пути самоотрицания, переоценки всех прежних ценностей, включая ценность человека.

Существует точка зрения, согласно которой путь трансформации искусства состоит из трех этапов, трех идейно-культурных комплексов: авангарда, модернизма и пост-модернизма. Каждый из них нуждается в типологической характеристике.

Авангард – это широкое течение в искусстве ХХ века, которое включало в себя разнообразные новаторские, революционно-бунтарские и эпатажные эксперименты, порывающие с реалистической традицией в искусстве – в пользу новых, часто неэстетических форм, приемов и средств художественной репрезентации. Пафос авангардного искусства – это бунт, ниспровержение и отрицание канонического понимания задач и целей искусства, плюс поиск и утверждение экстраординарных путей его бытия, - в переломное для обществ начала ХХ века время. Авангард низлагает миметическую природу искусства, ставит под сомнение натурализм и реализм, взамен предлагая непрямое (неизоморфное) толкование действительности. При этом: взвинченная чувственность; культ машин – взамен культу человека; расколдовывание (разрушение) смысла; поиск опоры в бессознательном и связанных с ним ассоциативных рядах; утверждение самоценности слова; отказ от нравственных норм и оценок; изменение роли художника, - составили основное поле авангардного экспериментирования. Считается, правда, что авангарду предшествовали (подготовили почву в области художественно-эстетической деятельности) символизм, импрессионизм и пост-импрессионизм. Изменения, вызванные этими течениями коснулись переосмысления художественно-выразительной сущности искусства: концептуальности формы, качества художественного образа, приемов идеализации и символизации, идейно-содержательной стороны художественного творчества, в частности, выдвижения идеи бессубъектности или антиантропоцентричности.

В дальнейшем художественный эксперимент, распространившийся на все виды искусства, приобрел более радикальный характер. Например, в фовизме (от франц. Les fauves – дикие, хищные животные) была провозглашена идея о том, что в своем творчестве художник должен стремиться «извлекать из форм элемент вечности» и благодаря этому сам к ней приобщатся; он обязан дать новое «прочтение» цвету и цветовым рефлексам (А.Дерен, М. Де Вламинк, А.Матисс, А.Марке, Р.Дюфи и др.)[199]. В кубизме (франц. cubisme от cube – куб) было сделано ударение не на облике предметов, а на их архитектонике, конструктивном принципе, структурной организации, т.е. на наиболее устойчивых элементах изображаемого (А.Матисс, Ж.Брак, Х.Грис, Ф.Леже, П.Пикассо – в один из периодов творчества, Дж.Поллок и др)[200]. В отличие от футуристов, дадаистов, сюрреалистов и др. представителей авангарда, кубисты не имели четкой концептуальной программы. Поэтому течение быстро «выдохлось», модифицировавшись в кубофутуризм. В экспрессионизме (от лат. expressio - выражение) была апробирована стратегия взвинченной, «повышенной» чувственности, которая возникает у рецепиента из-за переживаний (сопереживаний) жизни главного героя - мятушейся, отчужденной личности (Э.Мунк, А.Рембо, Р.-М.Рильке, А.Стринберг, Ф.Кафка, И.Стравинский, Б.Барток и др.) Экспрессионизм стал мощным импульсом для формирования т.н. «беспредметного искусства» или абстракционизма. Абстракционисты или представители «абстрактного искусства» (В.Кандинский, М.Ларионов, А.Крученых, А.Манисирер, позже – Г.Арп, А.Маньелли, Де Куннинг и др.) культивировали последовательный отказ от изображения форм реальной действительности, взамен предложив идею чистой выразительности, поиск в абстрактных формах «внутренней сущности» вещей. Характерно то, что один из представителей данного направления - Пауль Клее, очень точно выразил тенденцию, пробивающую себе дорогу в искусстве: «Чем ужаснее становится мир, тем более абстрактным становится искусство»

Супрематизм (от франц. supreme - высший) сместил внимание с сюжета, рисунка, пространственной перспективы – на гиперформы (геометрические фигуры, математические просчитанные модели и композиции) и «открытый» цвет (К.Малевич, И.Клейн, Ж.Танги, Фр. Стелла). В Дадаизме (от франц. dada – деревянная лошадка) уже самим разуму и вере художники отказывают в правах. В «Манифесте Дада» Т.Тцара объявлялись нелегитимными многие ценности прежней культуры и цивилизации, те самые, которые привели к первой мировой войне, этому торжеству абсурда и хаоса. Но в противовес ей дадаистами не было высказано сколько-нибудь последовательного миропонимания, кроме, пожалуй, пессимизма.

Анархизм и бунт против цивилизации выливается у дадаистов в ряд эпатирующих публику акций, проведенных в Париже: «Газовое» и «Бородатое сердце» (начало 20-х годов). В них нашло свое зримое воплощение подчеркнуто нигилистическое миропонимание.

Сюрреализм (от франц. surrealisme – сверхреализм), с которым обнаружил идейную близость дадаизм, стал направлением в литературе и искусстве, утверждающим конструктивность опыта бессознательного для творческого самовыражения. Концепция З.Фрейда[204] получила свое практическое применение в творчестве большой группы авторов (А.Бретона, М.Эрнста, Р.Шара, С.Дали, Р.Кено, А.Арто, П.Элюара, Э.Ионеско, С.Беккета и др.), активно репрезентировавших в своем творчестве состояний «на пороге сознания» (сновидения, галюцинации, гипноза). Здесь же было провозглашен тезис о первичности образа, о его автопоэтическом характере. Об этом говорят картины и литературные опусы скандально известного Сальвадора Дали. Неотягощенная диктатом «Сверх-я» игра мысли, свободная ассоциация и мечта, стали креативной нормой данного течения. Кроме названных, авангард включил в себя ряд более мелких течений, таких как: метафизическая живопись, наивное искусство, конструктивизм, кинетическое искусство, футуризм, додекафония и алеаторика.

Модернизм как синтетическое движение в искусстве и культуре послевоенного периода (1940-е – 1970-е г.г.), обозначил себя: интересом к окончательной автономизации сферы искусства от нехудожественных сфер с сохранением связи с научно-техническим прогрессом; полным разрывом с классической эстетической и художественной практикой, - традицией реализма, его методами, стилями и условностями; канонизации опытов и экспериментов авангардистов, возведения их миропонимания в ориентиры творчества; формализации (акцентации искусства на форме) художественной практики, навязчивой аудиотизации и визуализации продуктов творчества. Причем, на фоне «холодной войны», тенденции консъюмеризма, «культурной революции» в Китае, «сексуальной революции» на Западе…

Среди направлений этого периода можно отметить поп-арт, минимализм, концептуальное искусство. Поп-арт (эквивалент англ. popular art – популярное искусство) - направление модернизма, поставившее своей целью уравнивание элитарных и профанных сегментов культуры, проводившее эстетизацию и фетишизацию привычного и повседневного. Уже М.Дюшан со своими коллажами («велосипедное колесо», «фонтан», «точная оптика» и пр.) получил хрестоматийную (хотя и скандальную) известность. Придание привычным предметам эстетических качеств стало главным принципом поп-арта и его ответвлений: оп-арта, эл-арта, окр-арта. Статические и динамические акции (коллажи, хэппеннинги, перформансы) привели к формированию особой поп-среды, пространства искусства для всех и каждого. Так, хэппенинг (от англ. happening – случающееся, непреднамеренное происхождение или событие) устраивается на автостоянках, во дворах, в подъездах и чердаках. Его главная цель – вызвать шоковую реакцию на определенныс способом поданные артефакты. В работах Э.Полоцци, Р.Раушенберга, Э.Уорхола, Ж.Матье, Д.Джонса, Ж.Сигала и др. развернута презентация «идеальной повседневности» массового общества, фактуры индустриальной действительности – с помощью самых разнообразных материалов, методов и средств (от фоторепортажей и инсталляций – до клиширования образов обычных вещей). Например, инсталляция (insallation – устройство, сооружение) Мосли «Гарнитур» (галстук-бабочка и носовой платок) дает простейшее художественное толкование предметов обихода.

Минимализм – это практика создания произведений современного искусства с опорой на принцип предельной экономии изобразительных средств. Данная практика призывает художника к минимальной активности в плане конституирования художественного пространства, равно как и к минимизации средств выразительности. Иначе говоря, минимализм предлагает кратчайшую формулу (концептуально продуманной) презентации различных объектов: природных, социально-технических, антропогенных и т.д. Минимализм зародился в США, но представлен именами С.ЛеВитта, Д.Флэвинга, Р.Морриса, С.Беккета, Д.Джадда.

Концептуальное искусство или концептуализм развивает идею синтеза гуманитарных наук (эстетики, искусствознания, лингвистики, философии), математики и искусства. На этой основе вырабатываются стратегии оптимальной презентации какой-либо формализованной идеи - концепта, то ли визуальными, то ли вербальными, то ли ситетическими средствами (киноискусство). Представители концептуализма Дж.Кошут, Р.Берри, Д.Грехэм, Е.Хессе, Б.Науман осуществили прогрессирующую игровую модель презентации концептов, но не связанных со средой их породивших, не отягощенных идеолого-нравственным грузом. Концепты создаются или для провокации (поскольку его артефакты логично-алогичны), или для симуляции реальных вещей и отношений, или для проектирования новых смыслопорождающих/смыслоотрицающих контекстов.

В последней четверти ХХ века начинается новый фазис в развитии западной культуры и искусства, маркируемый термином «постмодернизм». Постмодернизм – в узком (интересующем нас смысле), - это мозаичное идейно-художественное движение, интегрирующее в себе ряд псевдореалистических художественных практик и стилей, и создающее особую ситуацию разочарования в прежних культурно-эстетических парадигмах и предлагающее (в рабочем порядке) контуры нового, плюралистического миропонимания и мироотношения. Сама приставка пост- указывает на завершающий характер эстетических опытов, в которых центральное место отводится прежним периферийным (для классического искусства и культуры) категориально-смысловым структурам: лабиринту, игре, иронии, абсурдному и безобразному. При этом принципы и законы классического искусства ставятся (напр., Й.Бойсом, Х.Л.Борхесом, Ж.Деррида, Ж.Делезом, Ж.Лаканом, К.-Х.Штокхаузеном, П.Гринуэйем, М.Павичем, Ц.Тодоровым и др.) под подозрение, «разоблачаются», деконструируются, делегитимируются - с целью выявления их логоцентрического (а значит, репрессивного) происхождения. Взамен предлагается комбинирование и рекомбинирование отживших форм, образов и стилей; создание параллельных, виртуальных пространств и кибер-миров; умножение смысловых перспектив – при отрицании их серьезности и однозначности; введение в практику метода «языковых игр» как способа организации минимальной связи в обществе и культуре.

Кроме, того, «отец постмодернизма» Жан-Франсуа Лиотар дает принципиально иное представление о произведении искусства, где, по сути, предлагается новая эстетическая парадигма. Произведение обязано быть: нерепрезентативным (оно ничего не обозначает); иметь «энтропию смысла» (быть «размытым», в т.ч. за счет игры цитат, нести в себе парадоксы форм и двусмысленности); радикально ироничным (карнавализованным); вымышленным дискурсом (т.е. дискурсом о святом и грешном, оригинальном и банальном, человеческом и бесчеловеческом); дематериалистичным (неструктурным, без особой темы и сюжета). Субъект любого уровня сложности, - Бог, автор, герой, читатель, - объявляется умершим. Истина жизни не поддается «открытию», а если это и случается, то она объявляется истиной принципиально относительной, рядом с которой возможны любые другие ее проявления.

Изменение культурно-эстетической парадигмы совершается на фоне отрицания человека (М.Фуко), отрицания субъекта как такового, - путем (преформирования) изменения его психики, сенсорного аппарата, вынесения «за скобки» рационально-рефлексивных актов, нормативно-оценочных (в том числе, - вкусовых предпочтений) процедур. Всеобщая эстетизация среды (=диффузии постмодернистских принципов и концептов в ткань жизни/искусства: игры и повседневности, абсурда и лабиринта, артефактов и симулякров, нарциссизма и шизоидности) вытекает из интерпретации общества и культуры как ризомы(корневища, сети, мировой информационной паутины). Модель этого эстетически осваиваемого мира находим у аргентинского писателя Х.Л.Борхеса. В его «Саду расходящихся тропок» утверждается о незаконченности и материальной правдоподобности мира- лабиринта, в котором время «заключает в себе все мыслимые возможности». В пространстве ризомы, т.е. в децентрированной, неиерархической и неозначающей системе, находящейся в процессе постоянного изменения, которое представляет собой модус вечно настоящего времени, предлагается обжиться и обитать человеку ХХI века, «пост-человеку» - игровой функции – в контексте культуры глобального гипертекста.

Вывод: Современное искусство (англ. contemporary art) — совокупность художественных практик, сложившихся во второй половине XX века, в период постмодернизма. Обычно под современным искусством понимают искусство, восходящее к модернизму, или находящееся в противоречии с этим явлением, отделяя его от понятия «актуальное искусство», имеющее оценочный, а не хронологический характер. Тем не менее, существует взаимодействие или даже смешение этих понятий. Это термин исторически укорененный — им обозначается передовое искусство со времени окончания Второй мировой войны до настоящего. Оно генетически связано с искусством авангарда или модернизма, но представляет собой новый виток изобразительных языков, с акцентом на собственно языковые модели (что свойственно и всем прочим видам культуры и формам знания в этот период). Оно включает в себя все больший спектр техник, обусловленный как развитием технологий, так и познанием человеком собственного тела и своего места в мире.

1.2. NANO-ART- красота «микро- и макроскульптур», современное 3D искусство.

NanoArt (НаноАрт) - это новый вид искусства, связанный с созданием художником скульптур (композиций) микро- и нано-размеров (10^-6 и 10^-9 м, соответственно) под действием химических или физических процессов обработки материалов, фотографированием полученный нано (nano) образов с помощью электронного микроскопа и обработкой черно-белых фотографий (раскраска в причудливые цвета) в графическом редакторе (например, Adobe Photoshop).

Вывод: NanoArt (Nano Art, Нано Арт) не следует путать с микрофотографией, “плоским” изображением. NanoArt - это 3D-искусство, которое передает атмосферу картины через цвет и объем. Наноискусство в мире активно развивается. Нанохудожники (нано-художники) могут показать свои произведения на международном онлайн-фестивале NanoArt. До конца марта проходит фестиваль NanoArt 2007 International Online Competition. Вы можете посмотреть и оценить 121 работу 37-ми нанохудожников из 13-ти стран мира на сайте nanoart21.org. самый известный представитель наноживописи - румын Крис Орфеску (Cris Orfescu). Недавно он как самых креативный художник, работающий в новом направлении, получил приз американского журнала World of Art.

За НаноАртом - наноискусством 21 века - будущее!

2. Практическая

2.1. Создание работы «Цифровые глазури» с использованием техникиNANO-ART ( см. Приложение 1)

Изучив теоретический материал, нам очень захотелось самим попробовать создать рисунки в технике NANO-ART. Нам было интересно узнать, получится ли у нас такая работа, с какими трудностями мы столкнемся и сложно ли создавать такие работы.

Практическая работа над проектом осуществлялась учащимися МБОУ ООШ № 269 в период с января по октябрь 2022 года на базе школы.

2.2.Анализ, представление и использование результатов работы «Цифровые глазури» ( см. Приложение 2)

Сначала были созданы рисунки, основой для которых стали авторские фотографии. На них были изображены капельки, кристаллы снега, при этом сами фотографии были выполнены с различным ракурсом и цветовым фоном.

Затем, была выполнена работа по созданию изображения с помощью акриловых красок и различных предметов.

«Цифровые глазури. Рисунки в технике NANO-ART» выполнялись с начала с помощью программы, установленной в телефоне. Основой являлась композиция, составленная из ракушек.

Затем, были мы рассмотрели такие предметы как, кора (береста), гриб, ягоду винограда, цветную капельку воды, плесень, луковую шелуху. В результате, получились цифровые картины.

Вывод: процесс создания рисунков очень интересный и необычный. Не из всех предметов можно получить красивые цифровые изображения. Нужно учиться создавать такие работы и необходим опыт. В тоже время, это увлекательный и интересный процесс.

Заключение

Большая часть художественных работ в области наноарта – это, скорее, удачное стечение обстоятельств, нежели осмысленная творческая деятельность.Так могут думать , наверное, многие. Хотя и в этом деле уже появились профессионалы: Крис Орфеску, Алессандро Скали, Рената Спьяцци, Тереза Майерус, Алексей Державин. Мы считаем, что создание таких работ очень сложный процесс, которому тоже нужно учиться. Благодаря усилиям слово «нанотехнологии» и искусство тесно взаимосвязаны и действительно представляют современное искусство и искусство будущего.

Список литературы

1. Андреева Е.Ю. Постмодернизм: Искусство второй половины ХХ – начала XXI века / Е.Ю. Андреева. – СПб.: Азбука-Классика, 2007.

2. Статьи «авангардизм», «дадаизм», «фовизм», «супрематизм», «кубизм», «модернизм», «футуризм», «экспрессионизм», «постмодернизм» // Борев Ю.В. Эстетика. Литературная критика: Энциклопедический словарь терминов. – М.: Астрель; АСТ, 2003.

3. Власов В., Лукина Н. Авангардизм. Модернизм. Постмодернизм: Терминологический словарь / В. Власов, Н. Лукина. – СПб.: Азбука - классика, 2005.

4. https://vk.com/wall513682187_598

5. https://ege-vika-vl.livejournal.com/1767.html

6. https://ucrazy.ru/interesting/1218780391-nanoart__nanoiskusstvo_21_veka.html

П риложение 1 Процесс создания работы.

П риложение 2 Работы учащихся МБОУ ООШ № 269

Приложение 3. «Цифровые глазури. Рисунки в технике NANO-ART »

Ц ифровые рисунки, выполненные с помощью мобильного приложения.

Приложение 3. «Цифровые глазури. Рисунки в технике NANO-ART »

Приложение 3. «Цифровые глазури. Рисунки в технике NANO-ART »